ARTHUR RUBINSTEIN – E. GRIEG – PIANO CONERTO (1st Mov)

De vez en cuando no hace daño un pequeño cambio a nuestro oído… o por lo menos al mío. Es por eso que esta ocasión les he traído de la pagina de costumbre (Youtube) un video con un fragmento de un concierto para piano, mi instrumento favorito para los conciertos con orquesta.

Primero que nada, un poco de información del compositor para quienes desconozcan algunos datos básicos de el.

Edvarg Grieg. Compositor y pianista griego nacido en Noruega en el año 1843.

Aunque por esos años nos topábamos con los mas grandes románticos de la historia como Chopin, Liszt y muchos otros, Grieg fue considerado como un gran compositor nacionalista.

Creo diversas obras para piano así como este concierto que podrán ver en el siguiente video, igualmente creo obras para violín y otros instrumentos.

La obra que considero mas importante de este gran compositor es “Peer Gynt Suites”, obra que vale la pena escuchar con gran atención para disfrutar de su armonía y colorido. Aunque admito que para mi gusto, prefiero mucho mas el concierto para piano a pesar de que muchos le consideran una mala obra.

Por otro lado, el pianista de este video no es un pianista cualquiera, por el contrario es un excelente pianista. Hablamos de Arthur Rubinstein, un pianista polaco que es recordado principalmente por las famosísimas interpretaciones de F. Chopin. (Obras sumamente recomendadas).

El escuchar a Arthur Rubinstein podrán distinguir esa fuerza y virtuosismo que le caracterizo al sonido que creaba con su piano, y podrán disfrutar de uno de esos pocos pianistas que pueden ser tan característicos como únicos en la historia.

Por ahora, lo mejor es disfrutar de este buen video que es excelente.

Edison Denisov

Nació: 6 de abril de 1929 – Tomsk, Siberia, Rusia

Murió: 24 de noviembre de 1996 – Paris, Francia

Edison (Vasil´yevich) Denisov fue un compositor ruso notable, innovador, y patriarca de la música rusa de vanguardia. Su padre (un ingeniero eléctrico) le dio el nombre en honor a Thomas Alva Edison. Estudió matemáticas en la Universidad de Moscú, graduándose en 1951, antes de decidir pasarse el resto de su vida componiendo. Esta decisión fue apoyada de forma entusiasta por Dmitri Shostakovich, quien le dio clases de composición. Desde 1951 y hasta 1956 Denisov estudió en el Conservatorio de Moscú: composición con Vissarion Shebalin, orquestación con Nikolai Rakov, análisis con Viktor Zuckerman y piano con Vladimir Belov. En 1959 ingresó en el staff docente del Conservatorio.

Edison Denisov fue uno de los compositores de la era soviética, que a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960 se vieron arrastrados irresistiblemente y se inspiraron en la música europea contemporánea: Debussy, Stravinsky, Webern y Boulez, Béla Bártok y Nono. Cuando llegó a dominar nuevas técnicas de composición y nuevas formas de expresión, Denisov percibió la evolución de la música como la evolución de un lenguaje. Sus innovadoras obras allanaron el camino para una nueva fusión de las tradiciones rusas y europeas. Un astuto explorador de las posibilidades tonales, Denisov escribió obras instrumentales de un género empírico. Los títulos de sus piezas revelan un carácter lírico de matices sutiles, a menudo marcados por colores impresionistas.

Al igual que sus colegas vanguardistas, entre ellos Alfred Schnitke, Sofia Gubaidulina, Arvo Pjart, Tigran Mansurian, Boris Tischenko, y Valentin Silvestrov, todos etiquetados como compositores disidentes en la antigua URSS, Edison Denisov no esperaba escuchar su música tocada en un escenario durante los tiempos soviéticos. El pensamiento que los compositores de vanguardia oponían despersonalizaba el academicismo en la música y, lo que es peor, el hecho de que buscaban establecer un contacto directo con sus colegas europeos asustaba a los ideólogos culturales de la ex Unión Soviética. Era casi imposible para un compositor soviético estrenar su obra en el exterior, o recibir encargos de músicos extranjeros (para escribir una pieza). Denisov revirtió la situación.

El estreno europeo del “Sol de los Incas” de Denisov, una cantata basada en palabras de la poetisa chilena Gabriela Mistral (1964), tuvo un éxito impresionante. Denisov escribió artículos para periódicos y revistas extranjeras acerca de las nuevas tendencias de la música soviética, y utilizó sus contactos personales en Occidente para entregarles las partituras de obras compuestas por colegas soviéticos a músicos europeos.

Por otro lado, recibió una gran cantidad de partituras y grabaciones de música contemporánea de compositores europeos y americanos, y abrió su incomparable biblioteca musical para todos sus amigos, contribuyendo a la noble causa de la ilustración. Por más de treinta años Denisov “iluminó” a sus estudiantes del Conservatorio de Moscú, pero no fue hasta mucho más tarde que se le permitió enseñar composición.

La actividad iluminadora de Edison Denisov estaba dirigida hacia el futuro, pero tenía sus raíces históricas. Sacó del olvido a la vanguardia musical de la década de 1920, representada por Alexander Mosolov, Nikolai Roslavts, y Vladimir Deshevov; revivió la Asociación de Música Contemporánea, fundada en aquellos tiempos; ayudó a organizar el Ensamble de Música Contemporánea de Moscú en 1990… en resumen: creó las condiciones fundamentales para la música alternativa.

A principios de la década de 1990, respaldado por Gennady Rozhdestvensky, introdujo la práctica de una especie de mini-conferencias en concierto, que también fue muy importante. Le explicaba a la audiencia la esencia de una pieza que iba a ser interpretada, y respondía brevemente a sus preguntas. Tenía un particular don de explicar las cosas más complicadas en términos simples y comprensibles, y muy lacónicamente.

El legado de Denisov es en extremo diverso: un ballet basado en la “Confesión de un Niño del Siglo”, de Alfred de Musset, sinfonías, cantatas, oratorios, incluyendo un réquiem llamado “La historia de la Vida y Muerte de Nuestro Señor Jesucristo”, unos veinte conciertos instrumentales, música de cámara, música coral y vocal. Escribió tres óperas, una de las cuales, “La espuma de los días”, basada en la novela de Boris Vian, le valió la membresía de la Orden Francesa de Literatura y Arte. En los años de 1990, siendo ya un compositor reconocido a nivel mundial, realizó una gira por todo el mundo, dando clases magistrales y formando parte de jurados en prestigiosas competencias de composición. Su música fue interpretada por los mejores músicos rusos y extranjeros: directores como Gennady Rozhdestvensky, Alexander Lazarev y Daniel Baremboin, el famoso “Ensemble Intercontemporain”, el violista Yuri Bashmet, el cellista Ivan Monigetti, el oboísta Heinz Holliger, el percusionista Mark Pekarsky, etc.

Edison Denisov wrote: «Work goes easily and freely when I have a direct contact with nature. I must be alone, only the rustle of leaves outside my window and birds flying up to me, or I must see white, pure snow colored by sunrays into miscellaneous and slowly changing hues. A splash of water in the distance, a thread of fog pulled over the lake, a symphony of colors in autumnal landscapes – nature gives me more than useless layers of fossilized academicalism».

Edison Denisov escribía: “El trabajo se vuelve fácil y libre cuando tengo un contacto directo con la naturaleza. Tengo que estar solo, apenas el susurro de las hojas fuera de mi ventana y los pájaros volando hacia mí, o tengo que ver la nieve blanca, pura, coloreada por los rayos del sol en tonos variados y ligeramente cambiantes. El murmullo del agua en la distancia, un hilo de niebla sobre el lago, una sinfonía de colores en paisajes otoñales –la naturaleza me da más que las capas inútiles del academicismo fosilizado.

Traducido de: Bach Cantatas Website. Edison Denisov (composer)

véase el art. original en:

http://www.bach-cantatas.com/Lib/Denisov-Edison.htm

DESPEDIDA A UN AMANTE DE LA BUENA MUSICA.

 

 

 

 

 

Es lamentable encontrarse con noticias como esta.

Hoy se me ha informado de la perdida de uno de los bloggeros que mas he leído desde que escribo en paginas y escucho música clásica.

El CuervoLopez, Argentino de poco mas de 40 años y abogado, diariamente publicaba diversas obras de música clásica para que pudiésemos disfrutar de ellas.

Siempre publicando versiones buenas y en ocasiones geniales. Mahleriano prácticamente de vida muchos pudimos escuchar fragmentos de algunas de sus colecciones de su compositor favorito.

Como sea, la vida ha hecho lo suyo una vez mas, como siempre pasa a su debido tiempo. Solo nos queda decir, que descanse en paz El Cuervo López. Y de la misma forma, agradecemos ya que mas de uno por aquí fuimos lectores de su pagina por bastante tiempo.

Descansa en paz Cuervo López.

 

 

JEAN SIBELIUS – FINLANDIA OP.26 – SAKARI ORAMO

Últimamente me he dedicado por las noches es escuchar diversas obras, aunque entre ellas he escuchado mas de 3 versiones del concierto para Violín de Jean Sibelius. Un concierto excelente con una orquestación mas que genial y si es seleccionado con un buen director y violinista, tendremos entonces una obra mas que excelente. Sin embargo, encontré la obra “Finlandia”, misma que tenia perdida desde hace tiempo.

Comencé a escucharla tranquilamente a eso de las 3:30 AM, aunque con un poco de sueño, entusiasmado seguí escuchando atento y dejándome llevar por esa gran orquestación de Sibelius. Tiempo después fui abruptamente interrumpido por una interferencia en mi par de bocinas… sin embargo la he escuchado varias veces en este día y no deja de impactarme cada vez que la escucho.

Les dejo aquí un video con la obra FINLANDIA de el genial JEAN SIBELIUS dirigida por Sakari Oramo. Realmente vale mucho la pena! disfruten de este video y de la obra que es una de esas obras que pocas veces llega uno a poder escuchar y disfrutar.

Anton Webern (análisis ops. 9, 10 y 11)

  Anton Webern nació el 3 de diciembre de 1883, siendo el único hijo varón recibe dos nombres anton y Friederich, su apellido verdadero es von Webern, ya que su padre procedía de un viejo linaje aristócrata. Webern ingresó al Musikhitorishes institu, donde comenzó sus estudios de música ya en forma seria, aunque tenía que trabajar en otras cosas durante toda su vida para poder mantenerse, y por ello tuvo poco tiempo para la composición. No se sabe porqué ni en qué momento conoció a su maestro, Arnold Shönberg con quien sostuvo una larga amistad y con quien se formaría la Segunda Escuela de Viena al lado de Alban Berg. Sin embargo para Webern, su vida económica no fue fácil por lo que tuvo que trabajar como director de coro a pesar de que este trabajo le desagradaba bastante. Mientras trabajaba aun de director entre 1909-1910 compuso los opus 3 al 8 y fue hasta el 5 que sale de la tonalidad por completo comenzó su trabajo atonal y lo organizó a su manera bajo la dirección e influencia de Shönberg. Durante los siguientes años siguió trabajando como director y fue tanto el desagrado de trabajar en esas condiciones que sus cuestiones de salud se agravaron obligándolo a ingresar a una clínica para su recuperación, y fue después que logró conseguir su trabajo deseado, que era dar clases y vivir de manera modesta como a él le gusta¹ es en estos años donde compone sus opus 9,10 y 11.

Esta es una pequeña reseña de la vida de el compositor para hablar ampliamente de las obras que hoy nos ocupan que son: Cuatro piezas para violín y piano (1910) y Tres piezas pequeñas para viloncello y piano (1914).

Tres piezas pequeñas para violoncello y piano

La pieza numero I consta de nueve compases y está escrita en tiempo moderado (mässig), esta pieza se basa en intervalos de cuartas y quintas, su nota más grave es un re natural (índice 3) y las más aguda es un Mi bemol (índice cuatro) ambos en el piano, lo cual denota el sentido del atonalismo y protoserie seguida en los intervalos que toca el piano. La pieza conserva una dinámica de triple piano al doble piano, solo tiene un forte en el cuarto compás acentuado además con un pizzicato, el tempo se acelera en el mismo compas lo cual indica el clímax de la pieza. La pieza comienza chelo con un mit dämpfer (con sordina) para terminar en un am steg (sull ponticello), es evidente que cada tres compases indica armónicos dentro del violoncello, los armónicos están en intervalos de cuarta en todas las ocasiones, la pieza comienza con una textura delgada que engruesa en el compas cuatro y se adelgaza hacia los últimos tres copases de la obra. Siempre para las torres de terceras están en tiempos más largos (copases 1,2, 4), además de que se indican arpegeados, el piano toca pequeñas “frases” de manera descendente y ascendente en forma de terrazas, dejando una superficialidad ya que se tocan rápido y en una dinámica que disminuye. Entre las notas que se tocan con un tenuto (compases 5, 6,7) existe una protoserie que solo contienen 8 notas faltando el mi natural, re sostenido, la sostenido y sol sostenido. Rítmicamente la pieza esta basada en una corchea y es en grupos de tres indicados por una ligadura de fraseo que llevan una “melodía” (compás, 2, 4 y 9), además de q los tiempos más largos (corcheas y negras) son para generar torres intervalicas, y los tiempos cortos (dobles corcheas) son para genera melodías interválicas ya sean ascendente o descendentemente. Así como la pieza lleva una textura en cuanto a la dinámica de delgado grueso delgado, lo hace con la rítmica, de esta manera en el compas 4 tiene la torre interválica mas llena y seguida de la misma idea de largo-corto, y al final la textura se adelgaza evidentemente con un tiempo muy largo seguido de dos cortas, con pizzicato del piano solamente, además de la indicación agógica de flüchtig (fluido).

La segunda pieza de este opus es más compleja, a tempo de Sehr bewegt (muy animado) consta de 13 compases de 3 y 2 cuartos. Los intervalos predominantes son cuartas. La nota más grave es un sol sostenido índice 2 y la más aguda es un mi natural índice 6. La pieza comienza con la indicación de sin sordina (ohne dämpfer). Es importante detallar que en esta pieza escrita en 2 y 3 cuartos es posible que solo sea para dar una característica de sin tiempo, ya que también utiliza los tresillos creando un “juego” de terrazas entre estos que ascienden y descienden entre las voces para generar un efecto motívico. La pieza contiene una textura, para decir forma climática, ya que comienza en forte para finalizar con un triple forte, sin embargo las textura de notas y motivos adelgaza. En esta ocasión las torres intervalicas se utilizan muy pocas veces es más utilizado melodías que juegan entre los instrumentos y las diferentes alturas. Y para resaltas este motivo es que termina con un tresillo y el ultimo tiempo es acentuado.

La tercera pieza escrita en extremadamente tranquilo (Ausserst ruhig) más corta y parece ser el resumen de las dos piezas anteriores, la dinámica esta basadas en triples y dobles pianos, como un suspiro, tiene elementos de tresillos en toda la pieza como acurre en la 2 además de que refiere los mis motivos rítmicos de ésta (compas (2 y 3 de la pieza II, 3 y 4 de la pieza III) repitiendo los motivos que eran la parte condutiva de la pieza anterior, así mismo retoma los importantes de la primer pieza con los armónicos, que aparecen tres veces y en esta también así mismo destaca que están escritos en intervalos de cuartas acentuándolos además con una cuchilla. En esta pieza aparece el único elemento que aparecerá en las otras y que la hace única el trino del primer compas hacen algo diferente. La textura tanto dinámica, intervalica es delgada gruesa delgada como ocurre en la primera.

En estas piezas donde Webern abandona el tonalismo para instalarse en el atonalismo de forma permanente, también destaca su melodía timbrica que desarrolla de manera evidente, en estas pieza usa recursos timbricos en el cello como pizzicato, arco, con o sin sordina, armonicos, sul tasto y sul ponticello, en ellos se instala mencionándolos con acentos, le interesa la melodías timbricas que estas desarrollan aunque aun son de muy inmaduras. Los motivos los desarrollan entre el piano y el cello en un completo dialogo entre ambos instrumentos creando terrazas entre cada ellos, subiendo y bajando, haciendo que la melodía y el timbre cambie subiendo y bajando y d
e una sensación de ir y venir. Es claro que Webern busca una sensación diferente entre los sonidos y timbres para desarrollar una melodía aunque para un oído tonal no se entienda como tal.

MILY BALAKIREV 1837-1910

 

Nació en Nizhny Novgorod, y murió en San Petersburgo, Rusia.

Su nombre completo era Mily Alekseyevich Balakirev; líder de un grupo de compositores rusos llamado “Los Cinco” (o “Los Poderosos Cinco”), que expresaba la importancia de tener una escuela nacionalista de música rusa. Fue concertista de piano, y asumió como director de la Escuela Libre de Música en 1862.

Compuso canciones, poemas sinfónicos, piezas para piano y música orquestal.

Balakirev recibió sus primeras lecciones de música por parte de su madre, y más tarde estudió con Alexander Dubuque y Karl Eisrich. A los 15 años empezó a componer, y siguió haciéndolo mientras perseguía a las matemáticas en la Universidad de Kazan, entre 1853 y 1855. Comenzó como pianista en concierto a fines de 1855, y cobijó bajo sus alas a cuatro jóvenes compositores, empezando con César Cui y Modesto Mussorgsky, luego Aleksandr Borodin y Nikolay Rimsky-Korsakov. Los cinco finalmente formaron lo que se conoce como “Los Poderosos Cinco” o “Los Cinco Rusos”.

Entre sus obras sobresalientes, están: la música de acompañamiento para el “Rey Lear” (de William Shakespeare), “Islamey” (fantasía oriental para piano), “Tamara” (poema sinfónico), “Piano Sonata”, “Sinfonía No. 2”, “Obertura sobre Temas Rusos”, y “Segunda Obertura sobre Temas Rusos”.

Se ha hablado mucho sobre la naturaleza autoritaria de Balakirev, casi hasta el punto de ser considerado un tirano, lo cual le valió muchos enemigos. Una cadena de luchas personales hizo que poco a poco se fuera retirando de la música. Finalmente regresó a su puesto en la Escuela Libre de Música, y siguió componiendo.

Islamey

La fantasía oriental “Islamey”, de Mily Balakirev, ha asumido una infame aunque irresistible reputación en el repertorio pianístico. Durante un cierto tiempo, Islamey fue promocionado ampliamente como la obra más difícil técnicamente en la literatura, hasta el punto que Ravel expresó su deseo de hacer su conjunto de piezas, Gaspard de la Nuit, “más difícil que el Islamey de Balakirev”.

Influenciado por la música oriental, Islamey es una obra que consta de tres partes. El motivo de apertura introduce el material temático principal de la fantasía, que se embellece a través del uso de terceras dobles, octavas en figuraciones y otros artilugios pianísticos a lo largo de toda la obra. La primera parte de la obra procede en gran parte del motivo inicial. La segunda parte es tal vez la más oriental de las tres. La escritura lenta, de ensueño, exótica, aquí se presenta en marcado contraste con las otras tres partes, rimbombantes y fogosas; curiosamente, a menudo la belleza de esta sección media pasa inadvertida para quienes desestiman a Islamey como una pieza con poca, o ninguna, sustancia musical. A su debido tiempo, la obra ingresa en su tercera sección, regresando al material temático de la apertura, llegando finalmente a una impresionante coda tan emocionante para el pianista como para el oyente.

Islamey fue estrenada por el pianista Nikolai Rubinstein, además de ser defendida por pianistas de la talla del mismísmo Franz Liszt. Conserva su reputación como un tremendo desafío técnico para los pianistas; la escritura es pianística y natural en su mayor parte, llena de octavas, escalas y notas dobles. La ejecución en vivo es un poco arriesgada (bastante) aún para el más entrenado de los pianistas, pero la naturaleza electrizante de la tarea hace que todos los riesgos valgan la pena.

Fuente Consultada:

Piano Society

P.I.TCHAIKOVSKY – VIOLIN CONCERTO – DAVID OISTRAKH (3r Mov)

P.I.Tchaikovsky, como había compartido antes con ustedes, uno de los mas grandes compositores Románticos que nos dejo obras increíblemente grandes así como sus sinfonías, sus 2 conciertos para piano, su concierto para piano inconcluso n.3, canciones, las grandes obras para ballet que tanta fama le han dado a este compositor y por supuesto, una de las obras que mas fama le han dado a través de los años, su concierto para violín y orquesta, ejecutado por los mas grandes violinistas del mundo y de la historia misma, y el video que traigo para disfrutar no es una excepción, puesto que podrán ver y escuchar al legendario David Oistrakh al violín, tan implacable y genial como siempre.

Esta obra fue aun mas famosa gracias a películas e incluso gracias a Walt Disney quien la utilizo en películas suyas, seguro mas de 1 reconocerá algún fragmento conocido por estas películas.

Disfruten del video que (lamentablemente) es solo el Tercer movimiento de este concierto.

Claudio Abbado

Claudio Abbado es uno de los mejores directores de orquesta de fines del siglo XX y principios del XXI. Ha ocupado varios puestos de gran prestigio, cada uno de los cuales sería un logro supremo para un director, y su presencia musical tanto en los conciertos como en las grabaciones ha dejado un innegable legado de excelencia.

Sus raíces se remontan hacia una prominente familia mora expulsada de España en 1492, que, según se dice, habría incluído al arquitecto de la Alhambra. Su padre fue Michelangelo Abbado, un violinista y profesor que les dio, a Claudio y a su hermano Marcello, sus primeras lecciones de piano (Marcello se convirtió en pianista y compositor).

Claudio estudió en el Conservatorio de Milán, graduándose en 1955 con un certificado en piano. Mientras estuvo allí, también estudió dirección de orquesta con Antonio Votto. En 1955, estudió piano con Friedrich Gulda en Salzburgo, y luego (entre 1956 y 1958) asisitó a clases de dirección orquestal dictadas por Hans Swarowsky, en la Academia de Música de Viena.

En 1958, hizo su debut (como director) en Trieste, y ganó el Concurso Koussevitzky en Tanglewood. Esto lo llevó a participar en varios teatros y orquestas provinciales, y a ocupar un puesto como profesor en el Conservatorio de Parma. Después de ganar el Premio Dimitri Mitropoulos en 1963, se le concedió un puesto de cinco meses en la Filarmónica de Nueva York, orquesta con la que hizo su debut profesional americano el 7 de abril de 1963. El año 1965 señaló su debut con la Filarmónica de Viena en el Festival de Salzburgo, pero más todavía marcó el retorno a su ciudad natal en Milán, para dirigir en La Scala. Dirigiría allí nuevamente en 1967, convirtiéndose en director residente de la compañía en 1968; finalmente fue nombrado director musical en 1971.

Abbado fue reconocido por haber elevado los estándares interpretativos en La Scala, y por ampliar su repertorio. También organizó a sus músicos dentro de la “Orchestra della Scala”, por cuyas interpretaciones de obras de compositores tales como Schoenberg, Nono, Ligeti, Stockhausen, y Berio, Abbado se ganó particulares elogios como intérprete de obras modernas.

En 1971, fue nombrado director principal en la Filarmónica de Viena. Poco tiempo después, estableció relaciones con la Orquesta Sinfónica de Londres, convirtiéndose en su director principal en 1979, y finalmente director musical, un cargo que sostuvo hasta 1988. Otras actividades durante este periodo incluyeron la fundación de la “European Community Youth Orchestra” (Orquesta Joven de la Comunidad Europea, EUYO), la Orquesta de Cámara de Europa, y la Orquesta de Cámara Juvenil Gustav Mahler.

Durante el periodo 1982-1986, Abbado se desempeñó como director invitado en la Orquesta Sinfónica de Chicago; después, fue nombrado director musical de la Ópera Estatal de Viena. Los vieneses además lo honraron nombrándolo director musical general de la ciudad. Durante su ejercicio, fundó (1988) el festival de música contemporánea “Viena Moderna” (Wien Modern), que creció muchísimo hasta abarcar todas las formas del arte contemporáneo.
Abbado le sucedió a Herbert von Karajan como director de la Filarmónica de Berlín en 1989. En 1991, renunció a su cargo en la Ópera Estatal de Viena, pero no obstante ha mantenido su presencia en la ciudad a través del premio anual vienés para jóvenes compositores. En 1994, ocupó otro puesto que alguna vez había sido ocupado por Karajan: la dirección del Festival de Pascua de Salzburgo.

Claudio Abbado es un magnífico director, que disfruta de la belleza del tono. Su extensa discografía incluye las obras sinfónicas completas de Mahler, Schubert, Ravel, Tchaikovsky, Mendelssohn y Beethoven, y muchas otras grabaciones.

Traducido de: Joseph Stevenson, All Music Guide

véase el art. original en:
http://www.classicalarchives.com/artist/9087.html#about

RECOMENDACION

Ahora les traigo otro par de recomendaciones que he podido disfrutar ultimamente y que realmente me han dejado un buen sabor.

 

Ver álbum completo

Primero que nada, como vemos aqui arriba. Son 3 Discos que incluyen las canciones que compuso Piotr I. Tchaikovski, uno de los grandes romanticos creador de grandes obras sinfonicas asi como de ballets famosos por todo el mundo y conocidos por millones de personas.

Musicos:

Sergei Leifekus (Baritono)

Nina Rautio (Soprano)

Ilya Levinsky (Tenor)

Simon Skigin (Piano).

Aunque no he escuchado los 3 discos completos, la verdad creo que es una pequeña coleccion que vale mucho la pena. Realmente si tienen oportunidad de conseguirla o de escucharla, haganlo.

Y la segunda recomendacion es:

 

Asi es, otra gran obra de P.I.Tchaikovsky. (Aunque este disco tiene fragmentos de “The Nutcracker” realmente la obra que a mi gusto vale mucho la pena escuchar, es su famosisimo y tambien conocido Concierto para Piano N.1

Ejecutado por:

Gilels (Piano)

Reiner (Director)

Orquesta Sinfonia de Chicago

Lo que sea de cada quien, pero el gran Emil Gilels no deja nada que desear, por lo que realmente es una grabacion que vale mucho la pena.

SERGEI RACHMANINOV – ELEGIE OP.3 – RACHMANINOV PLAYS

Hoy parece ser una buena noche para escribir un poco, y que mejor que hacerlo que escribiendo de Sergei V. Rachmaninov. Mi compositor Favorito.

Pero esta noche no pretendo escribir demasiado, solo una o dos cosas como de costumbre… bueno, dos o tres… por que a veces me emociono y escribo un poquito mas… no?

Elegia, existen varias piezas con este nombre, pero de este compositor hasta donde he podido conocer, solo 1 pieza lleva este nombre. Una pieza escrita para piano aunque continua por mas obras a mi gusto, es una obra monumental para piano. No hablo de una gran orquesta ni de grandes acordes a velocidades desmedidas sobre el piano, hablo de una obra para piano solo, ejecutada de tan diversas maneras por diferentes grandes pianistas, incluyendo al mismo Rachmaninov, que desborda fácilmente cientos de emociones a cada compas, a cada acorde, a cada nota.

No encuentro una mejor forma para describir esta obra que tan solo dura unos pocos minutos, pero que lleva tanto en cada nota que se vuelve indescriptible sin siquiera haber llegado aun al éxtasis de la misma.

No se pierdan esta obra, sumamente recomendable en diferentes versiones.

La versión ejecutada por el mismo Rachmaninov es muy diferente de cualquier otra, pues como mencione anteriormente, Rachmaninov era un romántico, no un sentimental. La obra la toca tal cual la escribió, no agrega relentandos, crecendos ni nada, el toca justo lo que creo y puede ser un poco mas directa la obra, pero no deja de ser genial! Aunque existen mas versiones que también valen mucho, mucho la pena.

Disfruten de el “video” que es realmente solo audio. Esta es la versión que dejo grabada Sergei Rachmaninov de su propia obra, disfruten y recomiendo escuchar mas versiones por que se darán cuenta de cuanta diferencia existe entre los diferentes pianistas.